《给阿嬷的情书》热映后，“给阿公的情书”类作品涌向出品方

徽声在线记者 | 李欣媛
徽声在线编辑 | 姜妍

《给阿嬷的情书》无疑为电影市场注入了新的活力，继《哪吒之魔童闹海》之后，它成为了又一个引发广泛讨论的热门影片范例。

在第28届上海国际电影节的开幕论坛上，与会嘉宾们围绕一个既令人振奋又令人困惑的话题展开了深入讨论：当《给阿嬷的情书》这样一部仅耗资1400万、以方言为特色的温情电影，在2026年的中国电影市场上斩获近20亿的票房佳绩时，我们该如何解读这一“偶然”现象？它背后又隐藏着怎样的市场信号？

上影节金爵主论坛 电影创作：告别方法论时代？

《给阿嬷的情书》的成功，让出品方大麦娱乐总裁李捷在论坛上透露，公司已收到多部类似“给阿公的情书”的作品，涵盖客家话、闽南话、四川话等多种方言版本。

李捷指出，这种跟风现象反映了行业深层的焦虑和惰性，暴露出一个思维误区：从业者往往试图从题材类型、制作成本、话题情绪到共情共鸣等方面，寻找一套能够快速复制的“爆款公式”。

“电影市场正经历着巨大的变革，这让我深刻反思：观众的审美和观影兴趣变化之快，远超我们的想象。我们无法准确预测观众下一部想看什么，这也是近年来电影市场波动较大的原因。过去，我们相信有方法论可循，相信题材和类型可以复制，相信大制作和明星效应能吸引观众走进影院。然而，每一次好电影的出现，都证明这些方法论可能是错误的。”李捷如是说。

李捷预测，未来十年，题材类型和制作成本将不再是决定电影成败的关键因素。他以《给阿嬷的情书》为例，指出导演在有限成本下，依然能够创作出精彩的故事。相反，一些大制作电影却可能因追求高配置而忽略了故事本身，失去了创作的初心和自由。“一旦电影成本上升，导演和主创的自由度就会降低，因为他们需要把钱花在刀刃上，可能会过度依赖场景、特效等视听元素，而忽略了故事的核心。”

在这种背景下，市场上那些不具备传统意义上热门类型、题材的电影，反而可能取得超出预期的成绩。李捷认为，这主要基于三方面的原因：首先，观众的审美阈值大幅提升，不再轻易受宣发影响，未来宣发公司的作用将仅限于完成固定传播动作和维护口碑；其次，观众不再为特效、演员等故事以外的因素而选择电影；最后，话题和情绪的时效性越来越短，而电影创作周期较长，往往在拍摄时就已经过时。

李捷建议行业回归最简单的创作逻辑：“不要关注今天的情绪，也不要猜测观众喜欢什么、讨厌什么，就拍我们相信的东西。只要这个东西能让我们自己认同，能够穿越时间，5年后观众看完依然不觉得落后，甚至依然被感动，我们就应该去投资。”

大麦娱乐总裁李捷（右）、上海电影集团公司党委书记、董事长王隽（左）

除了抛开电影方法论的思维定式，行业还需要重建对电影的信心。

一直以来，有一种论调认为观众不爱看电影是因为短视频、短剧占用了他们的时间。然而，《哪吒之魔童闹海》《给阿嬷的情书》等作品的成功表明，观众从未放弃电影，电影依然拥有难以想象的文化爆发力。

无论是短视频、剧集还是短剧，都无法超越电影在今天的传播力。李捷建议，行业不应再将票房视为唯一衡量标准，而应看到观影人次的重要性。只有越多的人看到电影，才说明电影建立了一定的影响力。

王隽认为，电影市场存在“虹吸效应”，《哪吒之魔童闹海》《给阿嬷的情书》等作品除了符合一般成功逻辑外，还上升到了社会学现象的高度。“如果我们的电影能涌现出更多这样的作品，我相信电影的未来会更加光明，电影观众和电影人也能在这片大海中更自由地遨游。”

创作者需找准自身定位

尽管《给阿嬷的情书》带来了振奋人心的消息，但电影市场的严峻现实仍不容忽视。在它票房爆发的4个月内，春节档和清明节档的表现均不及预期，市场大盘冷清许久，除了春节档电影外，没有一部电影票房突破5亿。

市场的冷淡直接反映到投资上游，成为一个现实问题。

儒意电影董事长兼总裁陈祉希以制片人的身份分享了行业观察：在市场环境好的时候，商业片赚到的钱可以反哺给文艺片和青年导演；但在当下市场紧缩、资源向避险型项目集中时，电影公司不得不更审慎地评估每个项目的商业属性。“作品本身要有足够的受众，让观众获得情绪价值或释放出口，具备当下性的议题变得至关重要。”

然而，当下许多青年导演的问题在于过于表达自我议题。“到底有多少观众愿意走进电影院，去观看一个导演非常小众、私人的议题？这样的项目我们肯定不会选择。”陈祉希坦言。

多年的制片经历让陈祉希认识到青年影人心态的变化。

“我觉得我们现在把很多当年的初心都忘掉了。”陈祉希回忆道，过去那些导演的态度极其执着，比如大鹏执导的《煎饼侠》、徐峥的《泰囧》都辗转三四年才找到投资，陈思诚的《唐人街探案》也经历过无数次剧本测试和修改。而如今，许多创作者一旦剧本被打回就直接放弃，“不像以前的创作者一次又一次地推翻自己、重建自己、重建剧本”。

陈祉希认为，创作者的态度和一个好故事是青年影人必须具备的基本元素。“如果连这个都做不到，何谈创作？何谈拍电影？大家日子过得太好了，反而放弃了很多东西。”

为了扶持青年影人，每年全国各地的电影节展都会举办大量创投活动，投入大量资金。但陈祉希发现，在这个过程中，真正能坚持下来的青年影人少之又少，“可能连1%的作品都没有出来”。

陈祉希给当下影人的建议是：青年创作者必须在“X轴”上找到自己最想表达的东西并坚持下去，在“Y轴”上找到喜欢它的观众。“因为看到你的坚持和执着，作为资方，我们被打动了，才愿意投钱。”

儒意电影董事长兼总裁陈祉希

导演兼编剧文牧野则从创作者角度回应了这份“执着”的含义。他回忆自己当年不停拍短片磨砺拍摄技能，然后寻找合适机会让自己被看到。他认为青年影人必须保有“希望被人看到的欲望”，不是一种孤芳自赏式的自我表达，而是“围在篝火边”的一种分享。“电影是要让人看的，它得有表达欲，得有分享欲。”

毕业于电影市场商业化还未成型时期的董润年，也面临着同样艰难的处境。他抓住机会先从写剧本入手，虽然之后有机会转为导演，但他仍然决定不断精进自己的剧作能力。董润年认为，当下的行业现实是：“年轻导演想要拍第一部作品，大概率还是要靠自己写的剧本。不太可能说某一个电影公司给了一个特别好的剧本就让你拍了。”在他看来，年轻导演必须增强剧作能力，“只有足够过硬，在这个时代反而能够做得更好”。

上海电影集团董事长王隽也从实践经历中给出了印证——他们优先合作的青年影人普遍在剧作能力上表现出极强的实力，作品成功的概率也相应更高。

（文中图片均由上影节官方提供）